El Pan y la Moda

En 2004 el diseñador de vestuario,  Jean Paul Gaultier realizó una exposición de piezas realizadas con pan para la Fundación Cartier, en París, la exposición se hizo llamar “Pain Couture”. 

Las piezas se cocieron en el horno más grande de Francia y solo para las "persianas" de los ventanales se utilizaron 4,000 baguettes. Y como podemos observar encontramos vestidos de alta costura realizados con las tradicionales "Baguettes" francesas y joyas que cambian las perlas por minúsculas bolas de miga de pan que forman parte del nuevo universo de Gaultier.

Bedtime Story de Madonna

"Bedtime Story", en español, “Cuento para Dormir”, es el tercer sencillo del álbum Bedtime Stories de la cantante pop Madonna publicado en el año 1995. La canción fue escrita por Björk, y es la primera oportunidad en la que Madonna utiliza los sonidos electrónicos y efectos especiales para su increíble vídeo musical. Además, ésta canción, así como como el vídeo musical, es uno de los más experimentales de Madonna. 

Al comienzo del vídeo aparece una pantalla, que muestra un jeroglífico de un ojo y debajo un mensaje: "Welcome Subject: Ciccone, M". Aquí Madonna parece ser examinada en una extraña habitación futurista, donde un "suero alucinógeno" le es inyectado en su brazo; de ésta forma, se va sumergiendo en un extraño sueño logrando entrar en su subconsciente.

Aparece Madonna cantando sugiriendo estar desnuda, y detrás de ella un Girasol gigante ondeando sus pétalos al rededor. La temática de la letra, que habla de lograr un estado de trance inconsciente, se puede expresar al apreciar el baile estático de los derviches sufíes que se ven girando y flotando en un gran salón. Enseguida se ve a Madonna dentro de una tina con cráneos de raros seres asomados, mientras que un hombre observa a Madonna desde las alturas de la habitación hablando con un extraño aparato. En otros cortes de vídeo, se ven imágenes de un hombre que hace levitar un cubo giratorio donde se ve el rostro de Madonna en Blanco y Negro. Con ésta imagen, pareciera haber una referencia a la película Hellraiser que abre las puertas a nuevos niveles de experiencia.

Posteriormente se puede apreciar una escena muy curiosa, donde se le ve a Madonna embarazada, con un vestido blanco y con sus manos acariciando su vientre. Poco después, ella levanta los brazos y al momento su vestido se abre dejando salir volando a muchas palomas de su interior. Ésta escena fue confirmada por Madonna, como un homenaje a la artista surrealista Leonora Carrington, así como otra escena donde se ve a Madonna representando 2 mujeres sentadas en medio de un estanque, tomadas de la mano y con la cabeza en forma de espejos; ésta escena hace referencia a la obra "Los Amantes" de la artista Remedios Varo.

En el video, se muestra una escritura en árabe (tapado por un racimo de uvas y un pie, que luego las aplasta), este se traduce: "y todo lo que has aprendido, trata de olvidarlo, no lo explicaré de nuevo", que justamente es una de las frases de la canción. También, parece encontrarse un tributo a la famosa escena de la película Stalker de Andréi Tarkovski en la cual, un niño aparece leyendo un libro y enseguida hace mover con su mente, varios jarrones a lo largo de una gran mesa hasta arrojar uno al suelo. En otra escena, el mismo niño aparece clonado 3 veces a lo largo de un vestíbulo, mientras Madonna pasa volando a lo largo del pasillo y los niños se quedan sorprendidos al verla. En otra escena un muchacho cubre con una tela al mismo niño que yace hincado en el piso.

En el transcurso del video, pueden verse más escenas y simbolismos, cómo; un joven oliendo flores de opio secas, el ángel caído del cielo y la muerte simbolizada por un esqueleto. Al final del video el rostro de Madonna aparece deformado, con los ojos y la boca cambiados de lugar; ésta escena está inspirada en las famosas pinturas de la artista Frida Kahlo. El video finaliza con Madonna que despierta súbitamente y se muestra de nuevo en la habitación futurista y en la misma pantalla, se lee mensaje que dice: "Thank You".

Dirigido por el aclamado director Mark Romanek, el video es considerado como uno de los videos musicales más artísticos de Madonna, e inclusive de todos los videos musicales existentes, sobre todo en el estilo Surrealista. Más tarde, el video fue adquirido por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, considerandolo como una valiosa pieza de arte.

The Ends of the Earth (Los Finales de la Tierra, 1949), de Leonor Fini

Remedio Varo es más que obvia en esta escena, que hace la replica
de la pintura Los Amantes (1963)

Remedio Varo con la  Creación de las aves (1958)

Gotye feat Kimbra - Somebody That I Used to Know

Somebody That I Used to Know, en español: “Alguien que solía conocer”, es una canción del cantante y compositor Gotye, que cuenta con la colaboración de la cantante neozelandesa Kimbra. La canción fue compuesta por Gotye, y refleja sus experiencias vividas en relaciones amorosas. El video fue dirigido, producido y editado por Natasha Pincus, imprimiéndole al clip, un recurso visual bien logrado. Empieza mostrando el pie de Gotye, imagen sube revelando que está desnudo y comienza a cantar, poco a poco se va cubriendo su cuerpo a través de figuras en animación Stop motion, en donde Gotye le canta a Kimbra después de haber terminado una relación y lo trata como un extraño. Luego se denota como se va perdiendo la figura de Gotye en el fondo y como Kimbra se torna en un curso inverso, vuelve a su posición original y la pintura desaparece de su cuerpo, demostrando que ambos se han separado.

El video y la canción de Gotye le dieron la vuelta al mundo en 2011 y aparecieron hasta el cansancio en emisoras de radio y canales de video. Lo que no muchos saben es que el arte del video está basado en una pintura del belga Frank de Backer, padre de Gotye.

Constructivismo Ruso y la Moda

El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914, (Se desarrolló principalmente entre los años 1912- 1932.) y se desarrolla en diferentes países de Europa. Es un movimiento de una gran carga ideológica con intención de representar los problemas sociales de la época. Se renuncia al arte por el arte para dar paso a la comunicación visual. La composición del Constructivismo destaca por sus marcadas diagonales, la fotocomposición y el uso de colores primarios. Muchos de los artistas de esa época se dedicaron al diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones, etc. Algunos de los principales exponentes de este movimiento fueron: Kasimir Malevich, Vladimir Tatlin (Quien se considera padre del Constructivismo), Alexander Rodchenko (Pintor), Aleksei Gan (Quien escribió los principios del constructivismo), El Lissitzky (Inició el Diseño gráfico). Algunos nombres de los artistas que quisieron experimentar en el ámbito del diseño textil y vestuario son: Vladimir Tatlin, Varvara Stepanova y Liubov Popova.

Vladimir Tatlin: Las prendas construidas de por este artistas ejemplifican una perspectiva anti moda. El vestido debía formularse y diseñarse bajo criterios prácticos; el color nunca se escogía por sus poderes expresivos sino por su capacidad para esconder suciedad, quería que su ropa fuera cómoda, de larga duración y fácil de limpiar, con corte adecuado para toda posición corporal, bolsillos ubicados en referencia al largo de las mangas. Las chaquetas de forma trapezoidal ampliada en los hombros y estrecha en la cintura, eran acompañadas por pantalones estrechos a los tobillos. Sin embargo la más grande innovación de Tatlin fue su Gabán (Abrigo). Con forma de óvalo, hecho de tela impermeable, buscando asegurar que podía ser usado en dos estaciones. Con forros removibles, uno en franela para el otoño y otro en piel para el invierno se creó la primera prenda modular. Los diferentes componentes del gabán se usaban de maneras distintas, Tatlin concibió el diseño en tres módulos que podían reemplazarse uno tras otro según la necesidad. 

Liubov Popova: Realizó algunas de las obras cubistas más importantes de la vanguardia rusa, sobre todo por su tratamiento de las formas arquitectónicas dentro de la pintura. Después llegó a la conclusión de que la pintura abstracta había llegado a un punto muerto y se dedicó a la escenografía, los textiles, el diseño de libros y al mundo del vestuario ya que quería llegar a las masas, a través de ella. A los 16 años llegó a la escuela de Arte de Kazan donde conoció a Alexander Rodchenko que sería su compañero de por vida. Murió súbitamente en 1924, en lo alto de su carrera. 

Varvara Stepanova: Representó a la segunda generación de la vanguardia rusa, que simpatizaba con la Revolución de Octubre. Para ellos, el arte debía de ser útil y accesible. Proclamó su compromiso con un nuevo orden industrial a través del diseño de ropa, escenografías y publicaciones. 

Varvara Stepanova afirmaba que el concepto de la moda debía ser reemplazado por una concepción del vestir basada en el uso. Por tanto, la ropa debía diseñarse de modo que se adaptara a la producción. Definiendo tres tipos de vestido. El Prozodezhda o traje de producción, era una prenda que se adaptaba perfectamente a los requerimientos de la profesión del usuario. El prozodezhda, diseñado desde la perspectiva del taylorismo, debía proveer la máxima comodidad para el usuario puesto que él o ella lo utilizaban para trabajaban. Liubov Popova, aplicó los principios del prozodezhda en sus diseños para los actores del teatro de Vsevolod Meyerhold. Las prendas fueron usadas como vestuario para el montaje de El Magnánimo Cornudo de Meyerhold en 1922. Ese mismo año, la constructivita Stepanova creó su versión de prozodezhda para los actores de la obra La Muerte de Tarelkin de Sukhovo Kobylin, montada por Meyerhold con la ayuda de Sergei Eisenstein, y su asistente Inzhinov. 

Además del prozodezhda, se crearon el Spetsodezhda, una prenda especializada con una función productiva específica (Ropa protectora especial para cirujanos, pilotos, bomberos, trabajadores de fábricas donde se manejara ácidos, o exploradores del ártico) y el sportodezha, categoría que tuvo prioridad debido a su impacto social. Para los soviéticos y los nazis, las prendas deportivas eran vistas de esta manera por ser esenciales para estimular la actividad patriótica. Stepanova decidió crear camisetas para los equipos de fútbol y básquetbol, dando a luz a cientos de diseños. Años después Adolf Dassler conoció los diseños de Stepanova permitiendo el florecimiento de Addidas.

Poster de Alexander Rodchenko

Fotografía de Alexander Rodchenko

"Beat the Whites with the Red Wedge" (Golpea a los Blancos con la Cuña Roja) de El Lissitzky 

"Monumento a la Tercera Internacional o Torre de Tatlin" 

Vladimir Tatlin Diseño vestuario un acto de la ópera de Glinka 
”La vida por el Zar” 

Diseños de Varvara Stepanova 

Varvara Stepanova - Diseño "Prozodezhda". 

Diseño Textil de Varvara Stepanova .

Diseños de Liubov Popova.

Colección de Otoño/ Invierno 2011 de Dries Van Noten inspirada en el Contructivismo.

Picasso por Eugenio Recuenco

Eugenio Recuenco es un fotógrafo de Madrid, España, que trabaja principalmente en los campos de la edición y publicidad. Comparado con otros, su estilo personal ha sido referido como "cinematográfico" y "pictórico". Su trabajo ha aparecido en revistas como Vogue, Madame Figaro y Twill. Entre sus clientes están las principales agencias, publicaciones y marcas internacionales tales como: TBWA, Yves Saint Laurent, Custo, Diesel, Festina, Woman, Condenast, SMODA, Pernod Ricard, Codorniu, Motorola, etc. Aquí un ejemplo de su trabajo de este maravilloso fotógrafo.

Eugenio no se define a sí mismo como fotógrafo, sino creador de imágenes. De ahí que sus fotos parezcan más una escena pictórica salida de un lienzo. Un ejemplo son los retratos en donde reinterpreta obras del pintor Pablo Picasso.

Robert Bradford el Artista de los Desechos

Robert Bradford es un artista inglés que crea sus esculturas de tamaño natural, de seres humanos y animales a partir de los artículos de plásticos desechados, principalmente juguetes, otros con pedazos de plásticos de coloridos, peines, cierres, botones, cepillos y pedazos de tela, entre otros.

En el 2002, comenzó a considerar las posibilidades de creación a partir de los juguetes olvidados de sus niños y crear algo aún más grande, todo comenzó al presenciar el desprendimiento sin control de sus hijos sobre los juguetes viejos, y decidió repentinamente crear algo fuera de lo común con los juguetes desechados de sus hijos. “Me gusta pensar en darles una segunda vida a los objetos”.

Actualmente, se mantiene atento a nuevas modalidades en que puede manifestar su arte “plástico” y ser un individuo totalmente productivo para el arte, la cultura y la vida misma que siempre va a estar compuesta por pequeños pedazos de recuerdos.

A Continuación imágenes en detalle donde observamos el uso de materiales como cierres y botones.

Esculturas en el Tiempo de Dominic Wilcox

Dominic Wilcox es un artista británico que ha creado una serie de miniaturas llamadas “Watch Sculptures: Moments in Time”. Las “Mini Esculturas” están realizadas sobre una colección de antiguos relojes. Wilcox coloca diminutas figuras sobre las manecillas del reloj, haciendo que el propio movimiento de éstas anime sus creaciones. El contenido de las obras, aunque es variado, no está escogido al azar sino que trata sobre temas que imagina, interesan o inquietan al artista. Su inspiración viene de la vida misma, reflejando las situaciones que se dan diariamente cruzadas en el tiempo: dos hombres que se dan la mano, una niña tratando de elevar unos globos, un hombre que retira la basura del suelo, otro que se sienta pensativo en una silla.